Polskie Forum Designu: Wystawa w Manufakturze

Zaprojektowany w 1956 r. przez Romana Modzelewskiego fotel RM56 uosabia odważnego ducha modernizmu połowy XX wieku. Jego rzeźbiarska sylwetka oddaje optymizm tamtej epoki, budząc nostalgię wśród kolejnych pokoleń miłośników polskiego designu.

Pierwsza wersja fotela była prototypem wykonanym ze sklejki, który Modzelewski wkrótce przeprojektował, wykorzystując winidur (PVC-U) – śmiały i innowacyjny jak na tamte czasy materiał. Mimo awangardowej formy i międzynarodowego potencjału, fotel nigdy nie trafił do masowej produkcji. Ograniczony polityczny i gospodarczy klimat komunistycznej Polski nie sprzyjał rozwojowi nowoczesnego wzornictwa o wysokiej wartości, a wizja Modzelewskiego pozostała zamknięta w jego pracowni.

Dopiero w 2016 r., 60 lat później, jego marzenie o seryjnej produkcji zostało wreszcie zrealizowane. Projekt został wskrzeszony przez markę VZÓR, starannie odtworzony przy użyciu współczesnych technologii i wprowadzony na rynek w wersji ze sklejki jako RM56 WOOD. Dzięki temu fotel trafił na współczesny rynek, stając dumnie obok innych na nowo odkrytych dzieł Modzelewskiego.

Pierwotnie bez przypisanego określenia, został oficjalnie fotelem RM56, zgodnie z konwencją nazewniczą kolekcji projektanta. Nazwa została osobiście zatwierdzona przez Werę Modzelewską, opiekunkę spuścizny i praw patentowych twórcy.

Dziś RM56 to nie tylko efektowny mebel, lecz także symbol wytrwałości i ponadczasowego wzornictwa – długo oczekiwane urzeczywistnienie modernistycznego arcydzieła, które łączy historię polskiego designu z teraźniejszością.

Stołek PLOPP (Polski Ludowy Obiekt Pompowany Powietrzem) to światowa ikona designu. Intrygujący, oszczędny w formie, piękny w niepowtarzalnych deformacjach, zabawny i dowcipny. Od 2005 r. jest manifestem technologii FiDU czyli formowania stali ciśnieniem wewnętrznym. Otwiera kolekcję niezwykłych obiektów FiDU: siedzisk, wieszaków, konstrukcji stołowych, obiektów artystycznych i rzeźbiarskich. Stołek powstał z połączenia 2 cienkich membran blaszanych, które poprzez formowanie ciśnieniem wewnętrznym nabrały niezwykłego kształtu. Nie ma dwóch identycznych obiektów, gdyż 20% to wolna deformacja metalu.

Stołki PLOPP są trwałe i wytrzymałe. Mimo niewielkich rozmiarów potrafią utrzymać ciężar o masie nawet 2 ton.

PLOPP to najczęściej wystawiany i nagradzany projekt Ziety. Jako pierwszy polski obiekt otrzymał w 2008 r. nagrodę RED DOT. Jest obecny w wielu muzeach na świecie i jest najczęściej nagradzanym polskim przykładem designu.

Autorem projektu jest Oskar Zięta – architekt, designer, artysta i innowator. Jest twórcą form artystycznych, w tym największych rzeźb w technologii free formingu, jakimi są Instalacja WIR w Galerii Północnej w Warszawie i NAWA na wrocławskim Ostrowiu Tumskim, nominowana do nagrody Miesa van der Rohe w 2019 r. Pozostałe rzeźby to KONICZYNA dla West Link, TAJDO we foyer Hotelu Europejskiego, SWIETLIKI dla Skanska, AXIS dla Rotundy PKO BP, KRAKEN w Dworze Artusa w Gdańsku, GENERACJE w Zielonej Górze oraz HEMPEL dla Realco. Dzięki możliwości skalowania w technologii FiDU, tworzy obiekty wielkoformatowe i kameralne do mieszkań i ogrodów.

BOHEMA Clothing od początku swojej działalności łączy design, rzemiosło i innowację, tworząc produkty, które nie tylko dobrze wyglądają, ale też realnie zmieniają sposób, w jaki myślimy o modzie. W centrum ich projektów stoją nowatorskie materiały pochodzenia roślinnego, rzemieślnicze techniki i ponadczasowa estetyka, która opiera się sezonowym trendom.

Jednym z kluczowych elementów innowacyjności marki jest wykorzystanie alternatyw dla tradycyjnej skóry. Tworzą z materiałów roślinnych nowej generacji, tj. Vegea – powstająca z odpadów po produkcji wina – oraz Viridis, czyli innowacyjna skóra z kukurydzy, której aż 74% stanowi biobaza. To przełomowe rozwiązania, które pozwalają projektować produkty o wysokiej trwałości i jakości, a jednocześnie znacząco redukować wpływ na środowisko. Każdy produkt jest projektowany tak, by łączyć estetykę z użytkowością.

Kowbojki Black Saint to połączenie mrocznego romantyzmu z odważnym, niezależnym stylem. Inspirowane trendem castlecore, reinterpretują klasyczną sylwetkę kowbojek w duchu nowoczesnego designu. Wykonane ze skóry roślinnej Virdis.

Botki Thriller to hołd dla nieśmiertelnego stylu lat 80. i ikonicznej kurtki Michaela Jacksona z teledysku „Thriller”. Dynamiczne linie i kontrast głębokiej czerwieni z czernią tworzą odważny design – manifest epoki, w której moda była wyrazista, niepokorna i bezkompromisowa. Wykonane ze skóry roślinnej Vegea.

Torba Slouchy Bag jest odpowiedzią na potrzeby codzienności. Udowadnia, że dobry design to użyteczność, ale też piękne linie i kształty. Wykonana ze skóry roślinnej Vegea.

NOVA to kolekcja lamp łącząca innowacyjną technologię, minimalistyczną formę i odpowiedzialne podejście do projektowania. Jej znakiem rozpoznawczym jest cienki, świetlny dysk, który daje równomierne, bezcieniowe światło. Lampy powstały z myślą o architektach i projektantach, którzy cenią funkcjonalność i estetykę.

Podstawą kolekcji jest technologia LGP (Light Guide Plate) – podświetlenie krawędziowe znane z płaskich paneli LED. Zastosowano je w nowej, dekoracyjnej formie. Dzięki temu cienki dysk (10 mm) emituje jednolite światło, wzmocnione dyfuzorem, które jest komfortowe dla oczu i eleganckie wizualnie.

Autorem kolekcji jest Tomasz A. Rudkiewicz – nagradzany projektant wzornictwa przemysłowego, który od ponad 40 lat tworzy dla polskich i międzynarodowych marek. NOVA rozwija jego wcześniejsze doświadczenia z kolekcją MATRIX, koncentrując się na czystej, minimalistycznej formie.

NOVA to przykład odpowiedzialnego projektowania. Moduł LED jest wymienialny, co wydłuża żywotność produktu, a wysokiej jakości materiały – szkło i metal – nadają się do recyklingu. Lampy zużywają od 5 do 8 W, oferując światło o dużej mocy przy niskim zużyciu energii. Dzięki temu łączą nowoczesną technologię z troską o środowisko.

Kolekcja obejmuje trzy rozmiary dysku: 280, 450 i 570 mm. Dostępne są różne barwy światła (2700 K, 4000 K) oraz wersja RGB z pełną zmianą kolorów. Lampy można łączyć w kompozycje, stosować w domach, hotelach, restauracjach i biurach. Z powodzeniem wykorzystano je już m.in. we wnętrzach hotelu BW we Wrocławiu autorstwa Medusa Group.

Kolekcja artystycznych paneli akustycznych LUDISM, stworzona we współpracy z Bafeo, to opowieść o spotkaniu rzeźbiarskiej formy z funkcjonalnością. Reliefy nadają wnętrzom wyrazisty charakter, a także wpływają na ich akustykę – tłumią dźwięki oraz łagodzą echo, tworząc atmosferę skupienia i ciszy. Każdy element to dzieło zaprojektowane z myślą o równowadze między precyzją rękodzieła a efektywnością technologiczną.

Panele powstały w 100% z materiałów z recyklingu, bez generowania zbędnych odpadów. Zaprojektowane i wyprodukowane w Polsce niosą w sobie ducha współczesnego rzemiosła – odważnego, świadomego, ale zawsze stawiającego człowieka i jego doświadczenie w centrum.

Marka LUDISM powstała z połączenia architektonicznego doświadczenia Karola Pasternaka i Piotra Maciaszka – założycieli NOKE Architects – z artystyczną wizją uznanej graficzki Oli Niepsuj. To trio stworzyło projekt, który przenosi opowieści kulturowe w świat współczesnego designu. Tworzone meble i akcesoria wnoszą do wnętrz ducha słowiańskiej mitologii i opowieści przodków. Ich autorzy wierzą, że legendy to coś więcej niż historie – to echa przeszłości, kształtujące tożsamość kulturową i wyobraźnię.

Każdy obiekt LUDISM uosabia ducha słowiańskich mitów, pozwalając dawnym legendom przybierać nowoczesne formy, nie tracąc ich istoty. Marka buduje pomost między historią a współczesnym wzornictwem – między folklorem a nowoczesną estetyką.

Poprzez swoje kreacje LUDISM zaprasza do ponownego odkrycia magii słowiańskiej tradycji i wprowadzenia jej do codziennych przestrzeni.

Obiekty z kolekcji Weave oraz Ancient Aliens są wyprodukowane w druku 3D, w autorskiej technice wyplatania. Inspirowane tkaninami, proponują nowy język wizualny, oparty o cyfrowy ornament. Wykonane są z PLA – biopolimeru podlegającego kompostowaniu.

Prace reprezentują nowe podejście do wykorzystania druku 3D w projektowaniu przedmiotów użytkowych, traktujące drukarkę 3D jak maszynę tkacką. Efektem jest możliwość poszukiwania nowego języka wizualnego, współczesnego cyfrowego ornamentu oraz nowego sposobu zdobienia przedmiotów użytkowych. Dodatkowym obszarem innowacji jest także model biznesowy wykorzystujący potencjał druku 3D do produkcji przedmiotów on demand, zmniejszający problem nadprodukcji, magazynowania oraz pozwalający klientowi na pełną customizację kolorów, kształtu czy tekstury zamawianego produktu.

Autorem jest Stanisław Stupkiewicz, projektant produktu specjalizujący się projektowaniu mebli systemowych i oświetlenia, projektowaniu parametrycznym oraz druku 3D. Absolwent Wydziału Wzornictwa na ASP w Warszawie skupia się obecnie na druku 3D, w którym bada koncepcję kolaboracji człowieka z maszyną, tworząc prace wykraczające poza proste odwzorowania cyfrowych modeli. Prowadzi markę Wontek, w ramach której tworzy kolekcje obiektów oświetleniowych i dekoracyjnych, drukowanych w 3D przy użyciu jego autorskiej techniki tkania barwnych struktur.

ZRÓB MIEJSCE DLA KLIMATU
Plakat zrealizowany na zlecenie Fundacji Rozwoju Społeczeństwa Informacyjnego w ramach akcji Biblioteki dla Klimatu.

PROSZĘ PANA, PROSZĘ PANI, KSIĄŻKI KUPUJĘ W MOIM ULUBIONYM ANTYKWARIACIE, A WY
Plakat zrealizowany w ramach 2 festiwalu Wrocławiu marsz do księgarni w 2020 r.

Jakub Zasada (ur. 1985). Jest autorem ponad 400 plakatów, przede wszystkim do filmów niezależnych oraz wydarzeń kulturalnych, w tym koncertów, a także lokalnych i społecznych inicjatyw. Brał udział w wielu indywidualnych oraz zbiorowych wystawach w kraju i za granicą. Współpracuje m.in. z Wrocławską Galerią Polskiego Plakatu, Dydo Poster Gallery, instytucjami kultury oraz organizacjami pozarządowymi. Inicjator Dolnośląskiej Giełdy Fonograficznej, którą prowadził w latach 2013–2018. Mieszka i pracuje na Księżu Małym we Wrocławiu.

Wybrane wystawy:
(indywidualne)
– Wystawa plenerowa w ramach 17. Festiwal Himilsbacha, Mińsk Mazowiecki, 2025
– Zawsze będzie czegoś ci brak, plakaty demotywacyjne, Klub Pod Kolumnami, Wrocław, 2024
– Wystawa plakatów. Noc muzeów, Wrocławska Galeria Polskiego Plakatu, 2022
– Jakub Zasada plakaty, Dydo Poster Gallery, Kraków, 2018
– Jakub Zasada, Bardzo Rozsądnie, Łódź, 2016

(zbiorowe)
– Pełnia Przekroju – wystawa plakatów, Gliwice, Galeria Melina, 2025
– 29. wystawa Wrocławskiej Grafiki Użytkowej, Muzeum Architektury we Wrocławiu, 2024
– Sztuka polskiego plakatu filmowego, Instytut Polski w Düsseldorfie, 2023
– Słownik kultury łódzkiej/ludz-kiej, Galeria Re:Medium w ramach Łódź Design Festival, 2021
– Polish Poster Week, ABC of Modern Polish Posters, Ankara, Turcja, 2014

W projekcie stolika Drum projektanci ze Studia Ganszyniec odwołali się do najbardziej rozpoznawalnych elementów marki Paged: giętego drewna i wyplotu. Forma mebla pokazuje uniwersalność tych tradycyjnych technik. Blat zamknięto w miękkiej, obłej ramie z bukowego drewna, a dolna półka – lekka i ażurowa – została wykonana z naturalnego wyplotu maty rattanowej, rozpiętego niczym membrana bębenka. To właśnie ona była inspiracją dla nazwy produktu.

Ten wyjątkowy stolik idealnie łączy klasyczny styl vintage z nowoczesnymi elementami. Dodaje elegancji i stanowi naturalny akcent wnętrza. Dzięki swojej nieprzeciętnej konstrukcji i estetyce, stanowi nie tylko praktyczny mebel, ale także wyrazisty element dekoracyjny, który sprawdza się zarówno w domowych, jak i komercyjnych wnętrzach.

Maja Ganszyniec Studio założone 2013 r. projektuje meble i produkty zarówno do domu, jak i przestrzeni publicznych, a także wspiera marki w strategii designu i nadzorze artystycznym.

Maja Ganszyniec to projektantka o holistycznym podejściu do procesu twórczego. Studiowała architekturę wnętrz w Krakowie i Mediolanie, a w 2008 r. ukończyła projektowanie produktów na Royal College of Art w Londynie. Współpracuje zarówno z globalnymi markami (np. IKEA czy DUKA), jak i z małymi, rodzinnymi biznesami. Jest także założycielką niezależnej marki meblowej Nurt. W 2017 r. otrzymała tytuł Projektantki Roku przyznany przez Polski Instytut Wzornictwa Przemysłowego. W 2025 r. podczas 15. edycji plebiscytu must have, organizowanego przez Łódź Desgin Festival, odebrała nagrodę jubileuszową ufundowaną przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego za wyjątkowy wkład w rozwój polskiego designu. Jest jedną z najważniejszych postaci współczesnego wzornictwa w Polsce.